Карфаген - город, связывает Восток и Запад

Это древний город был столицей североафриканского государства Карфаген, существовавшей на протяжении VII-II вв. до н.э. на территории современного Туниса. Народом, в древние времена населял эти земли, были финикийцы.

Искусство Карфагена почувствовало влияние древних культур Египта и Греции, а затем и Рима. Это ярко проявилось в стилевом разнообразии различных видов искусства. С одной стороны, карфагеняне имитировали восточные стили, а с другой - заимствовали традиции греков, этрусков. Всего в V в. до н.э. преобладало влияние Востока, а впоследствии - эллинской культуры.

Ювелирного искусства финикийцы научились в микенцев и египтян. В резьбе по слоновой кости прослеживаются египетские, микенские и ассирийские мотивы.

Ярким примером влияния эллинской культуры является карфагенские саркофаги IV-III вв. до н.э. и погребальные сооружения (мавзолеи), а также применение в архитектуре древнегреческих ордеров.

Во времена, когда Карфаген стал одной из провинций Римской империи, он получил новую культуру. Римляне строили новые храмы и здания общественного значения. Через некоторое время Карфаген стал одним из красивейших городов, вторым по величине и величием после Рима. Для удовлетворения потребностей горожан был построен цирк на 60000 зрителей (карфагенский Колизей), а также театр, амфитеатр, большие термы и акведук длиной 132 км.

Отголоски художественных достижений художников Карфагена ощущались много веков после разрушения города. Мрамор и гранит, что когда-то украшали римский город, были вывезены и использованы для строительства соборов в Генуе, Пизе (Италия), а также, возможно, и Кентерберийского собора (Англия).

Искусство египетской Александрии в мозаике

Считается, что мозаика из стеклянных кубиков (тессера) возникла в III-II вв. до н.э. в египетском городе Александрия. С изобретением такой техники искусство монументальной живописи приобрело новых средств выразительности: однотипные геометрически правильные мозаичные элементы давали художникам возможность усложнять художественное решение произведения - изображение приобретали трехмерности. Шлифовка и полировка мозаичной поверхности усиливали интенсивность цветов и полутонов тессера настолько, что второстепенные изображения (например декоративные бордюры) играли роль рамы для центрального панно.

Мозаика из города Тмуис, расположенного в дельте Нила, полностью раскрывает потенциал этой техники. Обрамленное несколькими рядами бордюра центральное квадратное панно изображает женскую полуфигуру. Она одета в военный костюм, его голова увенчана головным убором в виде носовой части корабля (ростр), в руках она держит обвитый лентами знамя флагманского корабля. Часто это панно трактуется как олицетворение Александрии. В панно проявляется новое отношение к цвету: фигура больше не выглядит светлым силуэтом на темном фоне - место темного фона занимает светло-голубой цвет, лицо моделируемое светотенью богатых оттенков, одежда и головной убор изложенные тессера ярко-красного, пурпурного и золотого цветов, грубые контуры отсутствуют, почти исчезают свинцовые вставки, широко применяемые в ранних египетских мозаиках (они остаются только в контурах древка флага и геометрических бордюров).

Мозаичная плитка "Нильский сюжет" из храма Фортуны Примигении в древнем Пренесте известна также под названием "Мозаика Барберини". Она выполнена в технике, позволяет создавать реальную имитацию живописи. Мозаичные произведения, выполненные в этой технике, были изысканными и высокохудожественными.

Сочетание документальной точности, необузданной фантазии и несравненной мастерства исполнения является ярким примером расцвета эллинистической традиции в создании мозаичных картин.

Декоративно-прикладное искусство Африки

В декоративно-прикладном искусстве народов Африки, неразрывно связанном с трудом и бытовым укладом жизни, отразились творческая фантазия народа и ощущение эстетической ценности человеческого труда. В частности, это касается изготовления мебели и посуды.

В низовьях реки Конго бытует резная деревянная скульптура племен бавили и баконго, очень экспрессивная и грубовато-схематичная по формам. Скульптура южного Конго - народов балуба, бапенде и других - отличается ясным спокойствием образов и изяществом формы. Похожими по стилистике есть резные изделия народа вачивокве, что жил на севере Анголы.

Хозяйственный уклад жизни африканских племен в условиях первобытнообщинного строя способствовал длительному сохранению самобытных культурных навыков и традиций. Скульптура различных племен не только отличалась манерой исполнения, а имела различия этнического характера.

Народы Западной Африки, главным образом побережья Верхней Гвинеи, от Либерии до Нигера, сохранили традиционное мастерство бронзового литья. В этих регионах наряду с деревянной пластикой создавали и скульптурные изделия из бронзы. Наивысшего расцвета это искусство достигло в народов южной Нигерии - йоруба, бине и иджо.

Особый стиль имеющийся в скульптурах племени бата, населяющей побережья французской и португальской Гвинеи. Изготовление и характер изделий декоративно-прикладного искусства Африки тесно связаны с местом и условиями проживания их создателей.

Художественный вкус и властвуй африканским народам стиль оказываются не только в отдельных предметах, но и в отделке всего дома. Так, резной деревянный сосуд в Судане расставляется на глинобитных, часто расписных повышениях. В районах тропического леса, где распространены деревянные жилища, стены и пол покрываются плетеными циновками со сложным геометрическим орнаментом. В степных районах преобладают глинобитные здания, украшенные резьбой и росписью косяков, карнизов, опорных столбов и др. Все домашнюю утварь (посуда, мебель, предметы бытового обихода) также украшается орнаментом. Мастерство резьбы по дереву, орнаментации циновок, бисерных вышивок и др. распространено у всех народов тропической Африки.

Украшать свои жилища и предметы обихода, люди стремились с давних пор. Археологи, до сих пор, находят различные подтверждения существования художественного мира разных эпох. Этими подтверждениями являются различные предметы быта, которые люди старались украсить разнообразными орнаментами, свойственными, для своей эпохи.

В эпоху палеолита первобытные люди пытались воспроизвести окружающий мир в точных и зримых образах. Поэтому, наиболее важными темами палеолитического искусства была тема зверей и тема охоты. В основном, пещерные росписи - это образы зверей: мамонты, носороги, быки, лошади, пещерные львы и медведи.

Второе место после сцен охоты занимали изображения обрядов воскрешения и размножения зверей, олицетворяющих магию плодородия. Также, при исполнении обрядов плодородия часто изображался человек, это были преимущественно женские фигурки. Раскраска таких изображений производилась черным, красным, желтым и коричневым цветами.

Позднее, вместе с изображениями животных первобытный человек начинает использовать условные знаки, различные комбинации линий, сходные с геометрическими фигурами. Таким образом, закладываются основы магической семантики. Постепенно, это приводит к абстрактным геометрическим изображениям символов, легших в основу создания орнамента как способа украшения. Орудия труда и вооружение, домашнюю утварь, в основном, украшали орнаментом геометрического характера, иногда эти предметы покрывали резными или скульптурными изображениями животных. Браслеты из кости, поражают оригинальностью орнаментов. Удивляет и восхищает украшающий их тончайший узор в виде полос меандра, разделенных параллельными зигзагами, или же «елочным» узором.

В конце III тысячелетия до нашей эры в Европе продолжает преобладать геометрическая орнаментика. Характерным узором изделий из художественного металла остаются криволинейные, волнистые, лентообразные или спиральные узоры. Керамические сосуды часто декорируются спиралью с выпуклой точкой в центре. Аналогичный орнамент характерен и для Центральной Европы железного века (культура Гальштата, IX-VI вв. до н. э.).

Латенская культура. (V-I вв. до н. э.). Кельтский орнамент. В V - I вв. до н. э., в Западной Европе были очень распространены племена кельтов. Искусство кельтов - использует абстрактные и растительные мотивы, заимствованные у греков и этрусков. Также, в кельтском орнаментальном творчестве встречаются мотивы, связанные с изображением животного мира и человека, заимствованные на Востоке.

Орнамент, составленный из стилизованных форм людей, животных и растений, в виде треугольников, спиралей и точек размещался на металлическое или каменное декорируемое изделие. Изображения, связанные с заупокойным культом были другими, они отличались реализмом и конкретностью.

С V в. до н.э. кельтские ремесленники начали использовать и видоизменять образцы орнаментов других народов, тем самым складывая своеобразный художественный «раннелатенский стиль».

В середине IV в. до и. э. мотивами для орнамента на изделиях кельтов являются изображения птиц и зверей. Изделия прикладного искусства становятся более доступными для широких слоев. Такой рост популярности прикладного искусства способствовал возникновению пластического «среднелатенского стиля», который широко распространился во II в. до н. э. В нем стал использоваться рельефный узор, часто обогащенный гравировкой.

«Позднелатенский стиль» появился в I в. до н.э. в результате упадка художественного ремесла. В середине III в. до н.э. кельты покорили некоторые части территорий Англии. Принесенное ими на эти территории латенское искусство было переработано местными ремесленными школами. В результате такой переработки образовался новый, «островной стиль». Характерными чертами этого стиля являлись бронзовые двурогие шлемы; в орнаменте преобладали мотивы пальметты, завитков спирали; рельефный орнамент сочетается с линейным гравированным узором. С I в. до н. э. экспансия кельтов прекратилась, это не замедлило сказаться на характере форм и мотивов орнамента. Трактовка сюжета стала реалистичной, также появляются изображения экзотических зверей.

Постепенно из разнообразных и разрозненных элементов кельтского орнамента образовался единый стиль, в котором преобладали анималистические и цветочные элементы. Искусство кельтов стало основой искусства народов Франции, Швейцарии, Бельгии, отчасти Англии. В Ирландии и Шотландии в VII - IX вв. это искусство достигло нового расцвета, и возник «новокельтский стиль».

Африка. Наиболее распространенные изображения Южной Африки - это преимущественно изображение сцен охоты, сражений, танцев, изображения, связанные с религиозными представлениями и мифологией. Чаще всего изображались обряды вызывания дождя, погребения, культовые танцы. Несомненно, все это нашло свое отражение в культуре и прикладном искусстве народов Африки. Для культуры африканского народа характерными являются изображение голов и фигурок животных. Для ювелирного искусства ряда африканских стран характерны зооморфные и антропоморфные орнаменты. Например, латунные гирьки в форме диких животных - от слона до антилопы, фигурки танцовщиц или женщин, несущих воду.

В африканской мебели можно встретить самые разнообразные формы деревянных подголовников выполненных в виде черепах, крокодилов и других животных; фигурки птиц и зверей используются в качестве украшения деталей различных предметов.

Различными резными узорами украшаются гребни, а также «рекады» - символы власти, содержащие устрашающие мотивы. Статуэтки почитаемых предков украшаются геометрическим орнаментом, воспроизводящим рисунок татуировок. В декоративном рисунке ткани, наиболее часто встречается рисунок из квадратов, треугольников и ромбов.

Индонезия. Для прикладного искусства Индонезии, примерно в 2000 г. до н. э., были характерны керамические изделия с нарезным орнаментом. Позднее появились изделия из бронзы, представлявшие собой схематические фигуры людей, украшенные спиральным орнаментом, котлы-барабаны с геометрическим узором и стилизованными изображениями человеческого лица, птиц и т.д.

В народной архитектуре индонезийцев часто применялась раскрашенная резьба для украшения стен. В декоре опорных столбов и дверей использовались резные изображения тотемных животных.

В Индонезии существует большое разнообразие древних ремесел, особенно резьба по дереву и бамбуку. На островах Ява, Суматра, Ниас и др. вырезают стилизованные фигурки демонов, предков, тотемных животных. Из окрашенного бамбука, пальмовых листьев и трав плетут циновки, шляпы, сумки. Производятся ювелирные изделия из золота и серебра с фигурами мифологических существ и животных, а также богато украшенные кинжалы -«крисы».

Для украшения одежды, очень часто встречаются тканые и вышитые узоры. В изображениях на керамике используется резной или растительный орнамент, фигурки людей и животных, корчаги дьяков с рельефным изображением драконов.

Океания. Искусство народов Океании не было подвержено сильным изменениям, так как было связано с религиозными и общественными традициями. Их религиозные представления были в основном связаны с культами плодородия и предков.

На островах Новой Гвинеи местные жители создавали керамические изделия и украшали их спиральными насечками; различная деревянная утварь в форме птиц или же фигуры человека; сосуды из бамбука, как правило, украшались резным геометрическим орнаментом.

Культура Новой Зеландии - это культ героев, стремление избежать пустоты при декорировании поверхности и достаточно частое использование мотива спирали по сравнению с другими орнаментальными мотивами. Например, мотив спирали встречается не только в ажурной пли рельефной резьбе по дереву, но и в татуировке лица.

Полинезийские острова славятся производством тканей из коры - «тапа». Декоративный эффект этих тканей достигался очень простым орнаментом. Чаще всего узоры строились на основе ромба или шашечного рисунка, и каждый остров вносил в них что-то свое. Иногда орнамент покрывался лаком растительного происхождения.

Искусство татуировки лица и тела достигло большой художественной высоты на Маркизских и Маршановых островах. Татуировка могла покрывать геометрическими мотивами все тело. Она имела не только магический, но и социальный смысл. К примеру, зигзагообразные узоры на лице предназначались только для вождей.

Мексика. В VIII-II вв. до и. э. в Древней Мексике произошла канонизация культовых образов и символов. Ящероподобные и змеевидные божества, антропоморфные божества - символы неба, огня, дождя и влаги и др. - становятся обязательным арсеналом мексиканского искусства.

В период с I по IX в. н. э., называемый «классическим», когда искусство было подчинено интересам знати и жрецов, появляется религиозная символика. Изощренные фантастические образы, парадные изображения правителей, олицетворения жизни и смерти сочетаются со сложным орнаментом и иероглифическими надписями.

В храмах-пирамидах Мексики большое место заняли символические мотивы: змеиные головы с раскрытыми пастями, пышное оперение их извивающихся тел, головы ягуаров, антропоморфные изображения - весь многообразный и яркий мир индейской мифологии. Также, кроме изобразительных мотивов используется и «чистый» орнамент, образованный чередованием геометрических элементов. Здесь применяются четырнадцать различных мотивов: крест, зигзаг, многогранник, лесенка, т - образный мотив и ряд других.

В последний период Древней Мексики (X - начало XVI в.) многие традиционные черты искусства сохранились, вместо религиозной символики заняли символы войны и военные сцены.

Перу. Наибольший интерес представляет керамика Перу. Здесь в разные периоды гончарные изделия декорировались то абстрактным гравированным рисунком, то лепным декоративным, то живописным орнаментом. Для украшения использовали красную, кирпично-розовую, темно - красную, оранжевую, темно – зеленую, серо – зеленую и ультрамариновые краски.

Для украшения перуанских тканей использовали мифологические и бытовые сцены, которые имели очень богатую раскраску. Гамма их раскраски насчитывала до 190 различных тонов. После 800 г. до н. э. здесь также изготовляли ткань типа шпалер, которую использовали для каймы на одежде; иногда из нее делали целиком одежду - унку, подобие нынешнего пончо. Характерный орнамент этих тканей - анималистический: рыбы, птицы, хищные животные. Иногда здесь встречаются изображения людей (вожди, воины, танцоры или мифологические сцены). Кроме того, в орнаменте тканей имел место абстрактный декор - ступенчатый орнамент, меандр; растительный же, использовался редко. Для украшения тканей перуанцы также применяли вышивку.

Статья подготовлена Горской Натальей. Воспроизведение части или всего текста без разрешения автора запрещено.

Рисунки: Кириченко В., Афонькина А.С.

Искусство Африки - обзор в разрезе стран и культур отдельных народов

Африканское искусство (African Art)

Искусство Африки (африканское искусство) – термин, применяемый, как правило, по отношению к искусству Африки к югу от Сахары. Зачастую случайные наблюдатели-любители склонны обобщать "традиционное" африканское искусство, но континент полон людей, сообществ и цивилизаций, каждая – со своей уникальной визуальной культурой. Это определение может также включать в себя искусство африканских диаспор, таких как искусство афроамериканцев. Несмотря на это разнообразие, есть некоторые объединяющие художественные темы при рассмотрении совокупности визуальной культуры Африканского континента. Применить африканский стиль в интерьере двольно легко. Ниже описаны некоторые важные характеристики африканских масок и статуэток, аналоги которых можно купить в галерее "Афроарт".

Исторически африканская скульптура в основном изготавливается из дерева и других природных материалов, которые не сохранились из более ранних периодов, чем, в лучшем случае, несколько веков назад; более древние керамические фигуры обнаруживаются во многих областях. Маски являются важными элементами в искусстве многих народов, наряду с человеческими фигурами, зачастую сильно стилизованными. Существует огромное разнообразие стилей, часто варьирующихся в пределах одних и тех же условий происхождения, в зависимости от способа использования объекта, но широкие региональные сходства очевидны. Скульптура наиболее распространена среди групп оседлых земледельцев в долинах рек Нигер и Конго в Западной Африке. Непосредственные изваяния божеств относительно редки, но маски особенно часто создаются создавались для религиозных церемоний (ритуалов). Африканские маски оказали влияние на европейское искусство модернизма, который был вдохновлен отсутствием в них натуралистичности. С конца 19 века наблюдается увеличение количества образцов африканского искусства в западных коллекциях, лучшие из которых ныне выставлены в известных музеях и галереях.

Основополагающие элементы африканского искусства

Акцент на человеческой фигуре: человеческая фигура всегда была основным предметом для большей части африканского искусства, и этот акцент даже повлиял на некоторые европейские традиции. К примеру, в пятнадцатом веке Португалия торговала с народом Сапи около Берега Слоновой Кости в Западной Африке, которые создавали искусные солонки из слоновой кости, сочетавшие в себе черты африканского и европейского искусства, в первую очередь за счет добавления человеческой фигуры (человеческая фигура, как правило, не появлялась в португальских солонках). Человеческая фигура может символизировать живых или мертвых, обозначать правителей, танцоров или представителей различных профессий, таких как барабанщики или охотники, или даже может быть антропоморфным изображением бога или иметь другую вотивную функцию. Другой распространенной темой является гибрид человека и животного.

Визуальная абстракция: африканское искусство, как правило, отдает предпочтение визуальной абстракции перед натуралистическим изображением. Причина в том, что многие африканские произведения обобщают стилистические нормы. Древнеегипетское искусство, которое считается, как правило, натуралистически описательным, использует весьма абстрактные и единообразные визуальные каноны, особенно в живописи, а также различные цвета для представления качеств и характеристик изображаемого существа.

Акцент на скульптуре: Африканские художники, как правило, предпочитают трехмерные произведения искусства двумерным работам. Даже многие африканские картины или ткани должны ощущаться трехмерно. Окрашивание дома часто рассматривается как непрерывный дизайн, обернутый вокруг дома, заставляющий зрителя ходить вокруг, чтобы прочувствовать его в полной мере; в то время как декорированные ткани носятся в качестве декоративной или церемониальной одежды, превращая одетого в них человека в живую скульптуру. В отличие от статической формы традиционной западной скульптуры африканское искусство изображает динамику, готовность к движению.

Акцент на искусстве действия: расширением утилитаризма и трехмерности традиционного африканского искусства является тот факт, что большая часть его создана для использования в контексте действия, а не статики. Например, традиционные африканские маски и костюмы очень часто используются в общинных, церемониальных контекстах, где их "танцуют". У большинства обществ в Африке есть имена для их масок, но это одно имя включает в себя не только саму маску, но и ее значение, танец, связанный с ней, а также духов, которые в ней пребывают. Африканское мышление не отделяет одно от другого.

Нелинейное масштабирование: зачастую небольшая часть африканской художественной композиции выглядит подобно большей части, как алмазы в различных масштабах в узорах Касаи. Луи Сенгор, первый президент Сенегала, назвал это "динамической симметрией". Уильям Фагг, британский историк искусства, сравнил это с логарифмическим отображением естественного роста биолога Д"Арси Томпсона. Совсем недавно оно было описано в терминах фрактальной геометрии.

Масштабы искусства Африки

До недавнего времени обозначение «африканский» обычно относилось только к искусству "Черной Африки", народов, живущих в странах Африки к югу от Сахары. Нечерные народы Северной Африки, население Африканского Рога (Сомали, Эфиопия), а также искусство Древнего Египта, как правило, не включалось в понятие африканского искусства.

Однако в последнее время наблюдается стремление среди африканских историков искусства и других ученых включить визуальную культуру этих районов, так как все они, по сути, находятся в пределах географических границ африканского континента.

Смысл в том, что, включив все африканские народы и их визуальную культуру в африканское искусство, непрофессионалы получат более глубокое понимание культурного разнообразия континента. Так как часто происходило слияние традиционных африканских, исламских и средиземноморских культур, ученые обнаружили, что проводить четкое разделение между мусульманскими регионами, древним Египтом, Средиземноморьем и коренными черными африканскими обществами имеет мало смысла.

И, наконец, искусство африканской диаспоры в Бразилии, Карибском бассейне и юго-востоке Соединенных Штатов, также стали включать в исследование африканского искусства. Объединение искусства с инородными веяниями скрывает отсутствие коренных художественных достоинств, в особенности, в период до появления на континенте цивилизации, принесенной из культур с более долгой историей развития.

Африканское искусство - материалы

История африканского искусства

Более сложные методы искусства были разработаны в Африке к югу от Сахары около 10-го века, некоторые из наиболее заметных достижений включают работы из бронзы из Игбо-Укву, а также керамику и металлические изделия Иле Ифе. Бронзовые и медные отливки, часто украшаемые слоновой костью и драгоценными камнями, стали очень престижными в большой части Западной Африки, иногда ограничиваясь работой придворных ремесленников, отождествлялись с королевскими особами, как Бенинская бронза.

Влияние на Западное искусство

Жители Запада долго считали африканское искусство "примитивным". Термин несет с собой отрицательные коннотации отсталости и нищеты. Колонизация и работорговля в Африке в девятнадцатом веке утвердили Западное мнение в уверенности, что африканскому искусству недоставало технических возможностей из-за низкого социально-экономического статуса.

В начале двадцатого века, такие художники как Пикассо, Матисс, Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Модильяни познакомились и вдохновились африканским искусством. В ситуации, когда установившийся авангард противился ограничениям, наложенным служением визуальному миру, африканское искусство демонстрировало силу в высшей степени хорошо организованных форм, производимых не только благодаря дару зрения, но также и, часто прежде всего, способности воображения, эмоциям, мистическому и религиозному опыту. Эти художники увидели в африканском искусстве формальное совершенство, изощрённость, объединенные с феноменальной выразительной силой. Изучение и реагирование на африканское искусство художниками в начале двадцатого века способствовали взрыву интереса к абстракции, организации и реорганизации форм, а также изучению эмоциональных и психологических областей, до сих пор не виданных в западном искусстве. С помощью этих средств был изменен статус изобразительного искусства. Искусство перестало быть просто и в первую очередь эстетическим, но стало также истинным средством для философского и интеллектуального дискурса и, следовательно, более истинно и глубоко эстетическим, чем когда-либо прежде.

Влияние на Западную архитектуру

Традиционное искусство

Статуи, как правило, из дерева или слоновой кости, часто инкрустированы раковинами каури, металлическими элементами и шипами. Декоративная одежда также распространена и включает другую значительную часть африканского искусства. Одна из самых сложных разновидностей африканского текстиля – красочная, полосатая ткань кент из Ганы. Боголан со сложным узором – другая известная техника.

Современное африканское искусство

Африка является родиной процветающей культуры современного изобразительного искусства. Это, к сожалению, было недостаточно изучено до недавнего времени, из-за акцента ученых и коллекционеров на традиционное искусство. Известные современные художники включают: Эль Анацуи, Марлен Дюма, Уильям Кентридж, Карел Нэл, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Элиас Jengo, Олу Oguibe, Lubaina Himid и Bili Bidjocka, Генри Tayali. Художественные биеннале проводятся в Дакаре, Сенегале, и Йоханнесбурге, Южная Африка. Многие современные африканские художники представлены в музейных коллекциях, и их работы могут продаваться по высоким ценам на художественных аукционах. Несмотря на это, многие современные африканские художники переживают трудные времена в поисках рынков сбыта для своей работы. Многие современные африканские искусства заимствуют в значительной степени у своих традиционных предшественников. Как ни странно, этот акцент на абстракцию рассматривается жителями Запада как имитация европейских и американских кубистских и тотемических художников, таких как Пабло Пикассо, Амадео Модильяни и Анри Матисс, которые, в начале двадцатого века, в большой степени находились под влиянием традиционного африканского искусства. Этот период был очень важен для эволюции Западного модернизма в изобразительных искусствах, символизируемых прорывной картиной Пикассо «Авиньонские девицы».

Сегодня Фатхи Хасан считается ранним представителем современного черного африканского искусства. Современное африканское искусство было впервые представлено в 1950-х и 1960-х годах в Южной Африке такими художниками как Ирма Стерн, Сирил Фрэдэн, Уолтер Бэттисс и через галереи, как Goodman Gallery в Йоханнесбурге. Позже европейские галереи как Галерея October в Лондоне и коллекционеры, такие как Жан Пигоцци, Артур Вальтер и Джанни Байокки в Риме помогли расширить интерес к этой теме. Многочисленные выставки в Музее Африканского Искусства в Нью-Йорке и Африканском Павильоне на Биеннале в Венеции 2007 года, который продемонстрировал африканскую коллекцию современного искусства Синдика Доколо, прошли долгий путь к борьбе со многими из мифов и предрассудков, которые преследуют современное африканское искусство. Назначение нигерийского Okwui Enwezor художественным руководителем Documenta 11 и его африкано-центрическое видение искусства продвинуло карьеры бесчисленных африканских художников на международную арену.

Широкий спектр более или менее традиционных форм искусства или адаптаций традиционного стиля к современному вкусу создаются для продажи туристам и другим, включая так называемое "искусство аборигенов". Много энергичных популярных традиций ассимилируют Западные влияния в африканские стили, такие как тщательно продуманные фэнтезийные гробы в форме самолетов, автомобилей или животных западноафриканских городов и баннеры клубов.

Страны и люди

Замбия

В то время как мир смотрит в другом направлении, искусство процветает в Замбии на скудные средства. Замбия, пожалуй, является родиной одних самых творческих и талантливых художников в мире. Стремление художников в Замбии к творчеству настолько сильно, что они будут использовать что угодно. От мешковины до автомобильной краски даже старые простыни часто используются вместо холстов в качестве материалов для искусства. Мусор и осколки превращаются в произведения искусства, которые часто ошеломляют своим масштабом. Традиции изобразительного искусства, в западной концепции термина, в Замбии восходит к колониальным временам и с тех пор неуклонно растет. Благодаря фонду Lechwe (Личи) основной части искусства Замбии гарантирован дом в стране, где оно было создано.

Фонд Lechwe был основан Синтией Зукас. Сама художница, в начале 1980-х годов дружила со многими художниками в Замбии, включая Уильяма Бвалья Мико, который вспоминает с нежностью, как Зукас возвращалась из заграничной поездки с чемоданами, полными художественными материалами, чтобы передать местным художникам, которые не имели доступа к таким инструментам. В 1986 году она получила наследство и решила, что пришло время поддержать художников более существенно, и Lechwe Trust был создан. Их целью было предоставить стипендии художникам, которые хотели учиться официально или посещать художественные семинары и курсы. Кроме того, они решили начать коллекционирование, обеспечивая художественное наследие для Замбии, однако есть работы тех, кто жил в Замбии или имеет связь со страной. В настоящее время насчитывается более 200 произведений искусства от картин до скульптуры, от гравюр до эскизов – наследие, которым замбийцы должны гордиться, но и все же немногие знают о его существовании. Или, по крайней мере, так было до недавней выставки. Отсутствие продвижения арт-сцены в Замбии – единственная проблем, к которой должны обратиться художники.

Выставка Фонда Lechwe

"Предназначение" является ярким примером важности работы Фонда Lechwe. В оригинальной живописи Генри Тейали «Предназначение» (1975–1980) очевидна борьба за личность во время прогресса.

Henry Tayali"s painting "Destiny"

На переднем плане несметное число человеческих фигур карабкаются и работают, неся железные балки, лопаты, в то время как они будто заперты в огромном, окутанном паром, современном городе. Сам город окрашен приглушенными серыми, коричневыми оттенками, однако, толпа одета в яркие цвета. Согласно каталогу выставки и статье местного журнала The Lowdown, у этой картины была длинная и интересная жизнь. В 1966 году картина была продана Тиму Гиббсу, сыну тогдашнего южно-родезийского губернатора сэра Хамфри Гиббса. В 1980 Тейали поехал в ныне независимый Зимбабве, чтобы вернуть свою картину назад. Неудивительно, что ему отказали, но предоставили разрешение, одолживать картину для выставок. «Судьба» объехала Лондон, Замбию и Париж прежде, чем возвратиться к Гиббсу. К 1989 Генри Тейали умер, и «Судьба» была снова показана в Лондоне Фондом Lechwe. Потребовалось два года, но фонд теперь владеет картиной – стержнем их впечатляющей коллекции.

Художники в Замбии сталкиваются с особенными, хотя конечно же не уникальными проблемами. Даже сегодня, материалы, такие как масляные краски, кисти, холсты все еще нужно импортировать из Южной Африки, и это делает их запредельно дорогими. Отсутствие публичной библиотеки и предметных журналов означает, что художники лишены возможности изучения более известных художников или чувства причастности к более широкому международному сообществу. Всего год назад, если вы хотели изучать искусство в Замбии, был только один курс, доступный в стране - сертификат в художественном образовании, который готовил скорее к преподаванию, чем занятию искусством.

Две картины художников двух разных поколений: Генри Тейали (1943–1987) слева и ныне живущего художника Стэри Мваба. Ну и, конечно, предпринимаются попытки продавать их работы. В экономически более стабильных странах лишь несколько художников действительно может утверждать, что они зарабатывают на жизнь своим искусством в одиночку, но этих людей в Замбии не много. Это происходит не только из-за меньшего количества людей с достаточным доходом, желающих купить картину, но и из-за предвзятого мнения некоторых туристов и экспатов, которые предполагают они рассчитывают купить работу по бросовой цене, по стоимости сувенира, однако цены оказываются выше. Жалоба, что работа переоценена, является яблоком раздора. Лусака – один из наиболее дорогих городов в Африке к югу от Сахары с точки зрения арендных плат и цен на продукцию, плюс, как упомянуто выше, художественные материалы особенно дорогие. Художники утверждают, что цены на их произведения справедливо отражают их экономические реалии, плюс некоторые художники выставлялись на международном уровне и считают, что они вправе просить больше денег. Низкие показатели продаж говорят о том, что многие, увы, с этим не согласны. Низкие продажи могут также быть результатом чего-то другого. Очень немногие люди за пределами очень маленького замбийского мира искусства знают, насколько активны художники в настоящее время. Взгляд на международные журналы об искусстве показывает недостаток освещения Африки к югу от Сахары, лишь нескольким художникам, таким как Крис Офили и Йинка Шонибэйр, удалось прорваться в Европу и США. Многие современные замбийские художники, такие как Zenzele Chulu и Стэри Мваба, которые выставлялись на международном уровне, считают, что это происходит потому, что мир искусства хочет видеть искусство Африки в рамках очень специфического, этноцентрического стереотипа. В результате их часто просят участвовать в выставках в африканском стиле, которые ограничивают их деятельность что расстраивает художников. Как говорит Мваба: «Я - африканский художник или художник из Африки?" И что еще более важно, почему этот вопрос все еще имеет значение?

И все же Лусака трещит по швам от количества художников, а галерея Henry Tayali - главная галерея изобразительного искусства Лусаки - заполнена почти от пола до потолка произведениями искусства, и хотя они имеют только скромный ручеек посетителей (в некоторые дни, говорят, никого вообще), галерея является центром активности. Почему? Что ж, в стране, где возможности для работы ограничены, лучше быть художником и работать, чем ждать работы, которая никогда может не прийти. Школа не возможна для большого количества детей, у родителей которых нет денег или времени, которое часто тратится на помощь по дому. Но через искусство, можно выразить себя без способности читать и писать. Сообщество художников – теплое и дружественное, полное людей, которые понимают, что их самый богатый ресурс – они сами; новые члены приветствуются с распростертыми объятиями. Существует более абстрактная и, возможно, также редко ясно формулируемая мотивация – гордость и желание изобразить и исследовать Замбию с помощью изобразительных средств. Посредством их работы замбийские художники источают достоинство и понимание, что есть хорошего и плохого в их обществе. Они подвергают сомнению, они исследуют и иногда судят. Художники здесь просто любят искусство, они жаждут его, и это - решающий вклад в их самосознание, их ощущение цели.

История Замбии полна талантов и характеров, даже если их подвиги и достижения не всегда хорошо документированы. Возьмите Аквилу Симпасу. В свое время, Simpasa был всемирно известным художником, а скульптуры и рисунок были его любимым средством массовой информации, но искусство настолько глубоко укоренились в нем, что он писал картины и кроме того создавал музыку. Он дружил с Эдди Грантом и общался с Джими Хендриксом и Миком Джаггером. Симпаса был крупным первооткрывателем. К сожалению, он также имел проблемы с психическим здоровьем и умер сравнительно молодым в 1980-х годах, и с тех пор канул в виртуальной безвестности. Те из его современников, кто еще жив, хорошо его помнят. В ответ на просьбу прокомментировать своего друга Симпасу, художник Патрик Мвимба высказал следующее замечание: "Он был лучшим замбийским художником." Истории о нем переходят из уст в уста, которые точно так же, как сам художник и его жизнь, мало документально подтверждены. Вильям Мико и Зензел Чулу оба упоминали, как некоторые полагают, что он все еще жив, как Элвис, он стал легендой, и теперь благодаря Lechwe Trust, легенда может говорить через его работы.

Нельзя отрицать, что Lechwe Trust прошел большой путь к решению многих проблем, стоящих перед замбийскими художниками. Благодаря покупке предметов искусства по справедливой цене, некоторые художники могут остаться в Замбии и работать, а не покидать страну, как многие, в то числе Генри Тейали. Вильяму Мико фонд помог развиться как артисту и обучиться за границей в Европе. Он в конечном счете вернулся работать и помогать фонду. Личи – единственный подобгый фонд в Замбии. Страна полна НПО, мало, если вообще какой-либо из них, заинтересованы интересуется художественной сценой. Тем не менее, "У Вас не может быть развития без развития искусства и культуры", утверждает Вильям Мико. Он приводит пример Японии, которая имеет многовековую и весьма уважаемую художественную традицию. Он верит, что эта традиция вдохновения, креативности и тяжелой работы помогли превратить Японию в технологическую центр, которым она стала в наше время. Неустанная поддержка Фонда Lechwe замбийской художественной сцены могла быть ключевой для обеспечения признания, особенно теперь, когда они решили построить свою собственную галерею.

Мали

Основные этнические группы Мали - Бамбара (также известные как Бамана) и Догоны. Меньшие этнические группы состоят из Марка и рыбаков Бозо реки Нигер. Древние цивилизации процветали в таких областях, как Djene и Тимбукту, где было обнаружено большое множество древних бронзовых и терракотовых фигур.

Две статуэтки Чивары Бамбара, ок. конца 19 – нач. 20 в., Чикагский институт искусств. Женская (слева) и мужская, вертикальный вариант

Народность Бамбара (Мали)

Люди Бамбара адаптировали много художественных традиций и начали создавать произведения искусства. Прежде чем деньги стали главным двигателем создания их произведений искусства, они использовали свои способности только в качестве священного ремесла для показа духовной гордости, религиозных верований и проявления обычаев. Примером произведения искусства является банамская маска n"tomo. Другие статуи создавались для людей, таких как охотники и фермеры, чтобы другие могли оставить подношения после долгого сельскохозяйственного сезона или групповых охот. Стилистические вариации Бамбары включают скульптуры, маски и головные уборы, которые изображают стилизованные или реалистичные черты либо выветренные или окаменелые патины. До недавнего времени функция этих предметов была покрыта тайной, но за последние двадцать лет исследования показали, что определенные типы фигур и головных уборов были связаны с целым рядом обществ, которые составляли структуру жизни Бамбара. В течение 1970-х группа примерно из двадцати фигур, масок и головных уборов TjiWara, принадлежавших так называемому стилю «Сегу», была идентифицирована. Стиль отличается узнаваем по его типичным плоским лицам, стреловидным носам, треугольному шрамированию по всему телу и растопыренным рукам.

Маски Мали

Есть три главных и один второстепенный тип маски Бамбара. Первый тип, используемый обществом N"tomo, имеет типичную гребневидную конструкцию поверх лица, надевается во время танцев и может быть покрыт раковинами каури. Второй тип маски, ассоциируемый с обществом Комо, имеет сферическую голову с двумя рогами антилопы на верхушке и увеличенным, сплюснутым ртом. Они используются во время танцев, но у некоторых есть толстый закостенелый налет, приобретенный во время других церемоний, во время которых по ним льют возлияния.

Маска Kanaga, проданная в галерее "Афроарт"

Третий тип связан связи с обществом Нама и вырезан в форме головы птицы, в то время как четвертый, второстепенный тип, представляет собой стилизованную голову животного и используется обществом Коре. Известно у существовании других масок Бамбара, в отличие от описанных выше, они не могут быть связаны с определенными обществами или церемониями. Резчики Bambara славятся зооморфными головными уборами, которые носили члены общества TJI-Вара. Несмотря на то, что они разные, все они показывают весьма абстрактное тело, часто включая зигзагообразный узор, который представляет собой курс солнца с востока на запад, и голову с двумя большими рогами. Бамбара общества Tji-Wara носят головной убор, танцуя на своих полях во время посева, в надежде повысить урожайность.

Статуэтки Мали

Статуэтки Бамбара, прежде всего, используются во время ежегодных церемоний общества Гуан. Во время этих церемоний группа максимум из семи фигур, имеющих размеры от 80 до 130 см в высоте, выносятся из своих святилищ старшими членами общества. Скульптуры моют, вновь смазывают и подносят жертвы к их алтарям. Эти фигуры, некоторые из которых датируются между 14-м и 16-го веками, обычно изображают типичную украшенную гребнем прическу, часто украшаемую талисманом.
Двум из этих фигур придавалось большое значение сидящая или стоящая беременная фигура под названием Guandousou, известная на Западе как «Королева Бамбара», и мужская фигура под названием Guantigui, который обычно изображается держащим нож. Две фигуры были окружены сопутствующими фигурами Guannyeni, стоящими или сидящими в различных положениях, держа в руках сосуд, музыкальный инструмент или их грудь. В течение 1970-х годов, многочисленные подделки из Бамако, которые были основаны на этих скульптурах, вышли на рынок.

Другие фигуры Бамбара, называемые Dyonyeni, как думают, связаны или с южным обществом Dyo или с обществом Kwore. Эти женские или гермафродитные фигуры обычно имеют такие геометрические особенности

Вплоть до XIX века считалась примитивной, однако, как это ни странно, имела большое влияние на Европейское изобразительное искусство. Необычные формы взяли себе на вооружение различные авангардистские течения. Особо заметно это стало в начале XX века. С тех же пор, африканская живопись стала рассматриваться как серьёзное искусство, которое требует особого внимания.

Африканский стиль отличается мощной экспрессией, энергией, которая воплощается как в самих формах, так и в символах их сопровождающих. Ещё одним непременным атрибутом является присутствие в работах африканских мастеров сакральной связи с миром духов и Богов. Удивительно, но цвета, которые превалируют на картинах африканских художников, очень точно отображают цвета пейзажей этого континента. Яркие, зёлёные — как джунгли, жёлтые — как пустыни и саванны, красные — как жаркое и палящее солнце. Кроме того, характерным цветом для африканской живописи являются различные оттенки коричневого, начиная о палевого, до почти красного. Идёт ли такое сочетание цветов ещё от наскальных рисунков или является позднейшим изобретением здешних мастеров неизвестно. По этой теме написано масса книг и научных статей, однако самого секрета уникальной живописи этого континента так никто и не разгадал.

Африка, особенно Южная Африка, долгое время оставалась нетронутой и недоступной для Европейцев. Местные племена жили в своём мире, не общаясь с остальным, поэтому их искусство так не похоже на привычное нам. Оно развивалось самыми непредсказуемыми путями и в результате стало настолько обособленным, своеобразным, что первые зрители даже не могли понять, что это очень красиво и профессионально сделано. Канонические формы, традиционные мотивы, жизнь и быт, заботы и хлопоты, верования, страхи и чаяния жителей континента, где не бывает холодов и снега, отображаются в их рисунках и картинах и являются непонятными для людей, которые воспитывались плод влиянием совершенно иных идей и ценностей. Если наши далёкие предки могли полностью понять и проникнуться подобной живописью, то современному человеку это стало делать всё сложнее.

Что же такое !? Если попытаться рассказать о ней в нескольких словах, то это: одноцветный фон, с несколькими оттенками; основной мотив произведения занимает практически всё пространство; отсутствует перспектива; присутствие орнамента и неких знаков; сама живопись выполнена широкими и размашистыми мазками или линиями; гротескные формы; динамика. Только со стороны это кажется примитивным. Многие авангардисты прошлого и нашего времени находят в этом особую гениальность. Такие формы современной живописи, как кубизм, примитивизм и некоторые другие были созданы только благодаря африканскому искусству.

Если вам необходима качественная, надёжная и долговечная дизельная электростанция , то лучшим выбором для вас станет продукция ООО «Группа компаний Азимут». Российский производитель высокого уровня предлагает электростанции и генераторы по самым сходным расценкам.

Традиции и древние царства

Искусство Тропической Африки состоит из множества само­стоятельных художественных куль­тур племен и общин. Как правило, племена и народы Африки не пере­секались друг с другом, а потому их культуры развивались обособ­ленно. В силу географических, кли­матических и исторических усло­вий в сравнении, к примеру, со стремительно развивавшимся ан­тичным искусством Греции и Рима, творчество африканских племен оставалось архаичным. Европейцы познакомились с искусством Тро­пической Африки сравнительно поздно, в конце XIX в. Многие от­крытия были сделаны лишь за по­следние годы. Однако и сейчас не­возможно полностью воссоздать историю африканского искусства: в пей слишком много пробелов и загадок.

Исследователи Африки и раньше знали о существовании доисториче­ских росписей в Сахаре, но широкую известность они получили только после экспедиции французского уче­ного А. Лота, который в 1957 г. при­вез в Париж свыше 800 цветных ко­пий, выполненных с подлинных дои­сторических фресок, находящихся и одном из горных массивов Цен­тральной Сахары - Тассилин-Аджере. В настоящее время наскальные изображения обнаружены почти во всей Африке.

Первые большие африканские го­рода возникли в Западной Африке. Царства Гана, Мали, Сонгай и Бенин торговали золотом с мусульма­нами, завоевавшими Северную Аф­рику. Восточнее находилось царст­во Мэроэ (ныне Судан), южнее вы­сились мощные каменные стены крепости Большого Зимбабве. Ле­гендарные царства, отделенные от остального мира огромной и бес­плодной пустыней Сахара, возника­ли и исчезали, оставляя после себя уникальные памятники культуры. В ходе многочисленных археологи­ческих исследований стало ясно, что корни африканского искусства уходят далеко в глубь тысячелетий. Особого упоминания заслуживает открытие культуры нок (Нигерия), известной своими терракотовыми статуэтками, бронзовой цивилиза­ции народа сао в районе озера Чад.

Исключительное значение имело открытие на территории, населен­ной народностью йоруба культуры ифе , восходящей к XI1-XIV вв. и создавшей необычайно высокое по своему уровню искусство, а также исследование удивительного искус­ства лесного царства Бенин.

АРАБСКИЕ КУПЦЫ И ИСЛАМ

Привлеченные несметными богатст­вами - золотом, медью, слоновой ко­стью - арабские купцы установили торговые связи с Восточной Афри­кой, способствуя процветанию горо­дов, располагавшихся на современ­ном побережье Кении и Танзании. Арабы принесли с собой ислам, ко­торый был воспринят племенами, говорящими на языке банту. Слияние двух культур породило третью - суахили.

Ислам пользовался большим влиянием и на территории современных Судана и Нигерии. Правители Мали, империи сложившейся примерно в VIII в. в верховьях рек Сенегал и Нигер, объявили его государственно религией. Большая мечеть в Дженне, главном городе Мали, свидетельствует об авторитете новой религии. Построенная из глины, она мало напоминает мечети Каира и Багдада. Это подтверждает тот факт, что заимствованные формы культуры изменялись под влиянием местных традиций.

ЕВРОПЕЙЦЫ В АФРИКЕ

В XV в. португальцы открыли западное побережье Африки и установилиторговые связи с племенами Нигерии и Гвинеи. Путешествие Васко да Гамы, обогнувшего Мыс Доброй На­дежды в поисках пути на Восток, расширило представление европей­це» об Африканском континенте. Но так же как арабские купцы, купцы Старого Света вели торговлю лишь с прибрежными городами. Только в XIX в., когда Промышленная рево­люция кардинально изменила мир и Европа нуждалась в сырье, евро­пейцы стали осваивать внутренние районы Африки. К 1914 г. весь кон­тинент, кроме Либерии и Эфиопии, был под контролем Европы.

МНОЖЕСТВЕННОСТЬ КУЛЬТУР

Обычно изучение регионального аф­риканского искусства ограничивалось произведениями, завезенными в Европу колонизаторами или тор­говцами и отвечавшими эстетиче­ским вкусам западного зрителя. До недавнего времени не возникало ин­тереса к историческим, культурным, эстетическим особенностям этих произведений: они воспринимались скорее как экзотические диковинки, чем как образцы художественной культуры. Европейцы долго не цени­ли основное качество африканского искусства - его приверженность тра­диции. Настенная живопись или росписи по дереву, рисунки на тка­нях, вышивки, изготовление поясов как особый вид художественного промысла, всякого рода орнаменты - разные по форме и назначению, объединены использованием одних и тех же материалов: дерева, слоновой кости, глины, бронзы, золота и орга­нических волокон.

БОЛЬШОЙ ЗИМБАБВЕ

Примерно в IX в. народы, жившие на широком плато между реками Замбези и Лимпопо и занимавшиеся земледелием и скотоводством, на­учились добывать золото в рудни­ках. Они начали продавать его ближайшим соседям, а к XIII в. стали вывозить золото и медь через Ин­дийский океан в Азию в обмен на разные товары. Правители, разбога­тевшие на торговле, создали процве­тающее сильное государство. В 1100-е гг. они стали возводить огороженные каменные комплексы. Около 1450 г. Большой Зимбабве достиг вершины могущества. В это время вокруг главного поселения были построены мощные стены, ко­торые наводят на мысль о фортифи­кационном характере этого комплек­са. Однако ряд деталей, особенно две глухие конические башни внутри ог­рады, фигуры птиц из мыльного камня на высоких пьедесталах, каменные монолиты, стоявшие на сте­нах, и, наконец, вся планировка по­зволяют думать о ритуальном назначении этого сооружения. Позднее люди покинули этот город, возмож­но, из-за истощения земли, которая не могла прокормить его жителей.

КУЛЬТУРА НОК

Древнейшая из известных африкан­ских культур была открыта в 1944 г. в местечке Нок (Нигерия), между реками Нигер и Бенуэ. В оловянных шахтах были случайно найдены скульптурные портреты и фрагмен­ты фигур из обожженной глины, выполненные почти в натуральную величину. С тех пор удалось найти множество предметов культуры нок, как ее вскоре назвали. Их возраст довольно точно определили с помо­щью метода радиоуглеродного дати­рования: 1-е тысячелетие до н. э. - II в. н. э. Культура нок возникла в оседлом, земледельческом обществе. Высокий уровень художественного мастерства и техника обжига «на от­крытом огне», традиционная для создания изделий больших разме­ров, позволяют строить предположе­ния о существовании предшествующих этапом развития этой культуры, до сих пор, к сожалению, неизвестных.

Терракоты нок отличаются удиви­тельным богатством и разнообрази­ем художественных приемов, кото­рыми пользуется скульптор для при­дания максимальной выразительно­сти своему произведению. Но если звери - слоны, обезьяны, змеи - изо­бражались художниками нок в сугу­бо реалистической манере, то чело­веческие лица, возможно, из суеве­рия, были стилизованы под основ­ные геометрические фигуры (шар, цилиндр, конус). У некоторых, терракотовых голов сложные прически, что, вероятно, отражало социальную принадлежность персонажей, и глаза с глубоко высверленными зрачками. Любопытно, что уши часто расположены на затылке. Представители культуры нок были также искусны в изготовлении браслетов, ожерелий и поясов из растительных волокон с вплетением осколков кварца. По­добные изделия, вместе с инстру­ментами для их обработки, были найдены в больших количествах. Культура нок дала толчок последую­щим культурам, в том числе ифе (1100-1897), культуре бенин (1400-1897), дзоэде (1200-1300) и йоруба (1700-1900), отчасти связанным между собой, тогда как другие, такие как сао, развивались изолированно.

МАСКА. Ритуальные африканские маски - не простое про­изведение искусства. Они воплощают духов, героев или умерших предков и являются частью магического обряда с плясками и заклинаниями. Существуют мас­ки - обереги, сохраняющие силы и здоровье. В маске художник передает суть и внутреннюю энер­гию изображенного персонажа, в которого, по пове­рью, с помощью магии перевоплощается тот, кто на­девает маску. Показательно, что после выполнения своей функции, маски, многие из которых изготавли­вались долго и тщательно, безжалостно уничтожа­ются. Формы африканских ритуальных масок разнооб­разны - от крайне натуралистичных до фантастиче­ских, зооантропоморфных с гипертрофированными деталями. Оригинальны устрашающие маски с встав­ными зубами, рогами, обтянутые кожей животных и с длинными волосами. Отдельные маски необычай­но выразительны из-за гротескных пропорций и пре­увеличенных деталей - огромные глаза, длинные но­сы или уши. Нередко маски украшены загадочными орнаментами. Для культуры нок характерно сочета­ние предельно геометризованных объемов масок с натурализмом отдельных деталей. Ритуальные маски изготовляются из однородных материалов - дерева, кости, металлов - или их ком­бинаций с добавлением кожи, волос, шерсти, перьев, растительных волокон, зубов, рогов, раковин, бус. Большую роль играет раскраска, чаще всего полихромная. Начало XX в. ознаменовалось внезапным и все воз­растающим интересом к африканской культуре. Ху­дожники авангарда часто обращались к образу афри­канской маски.

КУЛЬТУРА САО

До наших дней дошли легенды о за­гадочном народе сао, жившем в районе озера Чад, - гигантах, одной рукой перегораживавших реки, делав­ших луки из стволов пальм и легко переносивших на плечах слонов и гиппопотамов. Находки археологов подтвердили, что действительно в X-XVI вв. здесь жил народ, создавший самобытную культуру. И хотя археологические находки свидетельствуют, что сао обрабаты­вали и металл и глину, среди многих тысяч предметов, которые были найдены в развалинах средневеко­вых городов сао, обнаруженных в середине XX в., первое место зани­мают изделия из обожженной гли­ны. Они представлены в таком изо­билии и многообразии, что культуру сао справедливо называют «глиня­ной культурой». В городах сао из глины сооружались зернохранили­ща, строились печи, изготовлялась кухонная утварь, делались катушки и веретена для пряжи, грузила для рыбной ловли, детские игрушки и украшения. Даже мертвых хоронили в огромных глиняных урнах, самых больших из известных ныне сосудов. Бесконечно многообразная скульптура сао не поддается строгой систематизации. Все, что можно сде­лать, - это разделить ее на две груп­пы: человеческие изображения и изображения животных. Однако ли­шь такое деление не будет достаточ­но четким, так как большая часть скульптуры - это либо зооморфные человеческие изображения, либо ан­тропоморфные изображения животных. Есть и такие, в которых черты животного и человека образуют столь монолитный сплав, что их не­возможно отделить друг от друга. Кроме того, независимо от характе­ра изображения вся скульптура де­лится на головы и статуэтки, кото­рые, вероятно, почитались как изо­бражения обожествленных предков.

ДРЕВНЕЕ ГОСУДАРСТВО ИФЕ

В начале XX в. немецкий археолог и этнограф Лео Фробениус обнаружил близ города Ифе на западе Нигерии, следы высокой материальной куль­туры многомиллионного народа йоруба. Найденные здесь бронзовые и терракотовые скульптуры не усту­пали лучшим образцам античного искусства. Время их исполнения до сих пор точно не установлено, одна ко предполагают, что расцвет искус­ства ифе относится к ХП-XIV вв. На следующем этапе, который про­должался до XVIII в., усилился от­ход от классических образцов искус­ства ифе. На смену им пришли абст­рактные формы, типичные для со­временных скульптур йоруба.

Согласно преданиям йоруба, город-государство Ифе возник на том месте, где боги спустились с небес, дабы создать землю и населить ее. Один из них, Одудува, бог моря и благополучия, был первым они (царем), и его дети создали дина­стию царей-жрецов, которые и сего­дня считаются полубогами.

Портретные скульптуры из Ифе, исполненные почти в натуральную величину, отличаются необычайном

пропорциональностью и гармонией. В них воплотился идеал человече­ской красоты, существовавший в то время. Совершенство скульптурных форм и тонкость бронзовой отливки были настолько высоки, что долгое время ученые приписывали искусст­во ифе то португальцам, то финикийцам, то этрускам, отказываясь признать его местное происхожде­ние, что позже было неоспоримо до­казано. В скульптуре ифе очень ред­ко встречается изображение челове­ка в полный рост. По большей части среди находок были головы из терракоты или металлических сплавов. К голове приставляли деревянное тело, прикрепляли бороду и усы из настоящих человеческих волос, о чем свидетельствуют специалисты проделанные отверстия вокруг губ и на подбородке. Изображение они и его приближенных было одной из самых распространенных тем в ис­кусстве ифе. Но встречаются также изображения жертвенных животных, баранов, леопардов, слонов (симво­лов власти), часто украшенных цар­ской символикой.

БРОНЗЫ ДЗОЭДЕ

Так называется группа из девяти статуэток, которые хронологически вписываются между художествен­ной традицией ифе и более поздней культурой Бенина. Они были найде­ны в двух деревнях - Джебба и Тада, но о месте их происхождения строи­лись всевозможные догадки. По ле­генде, беглый раб Дзоэде из Идаха, будто бы поднялся по течению Ни­гера, чтобы основать новое царство. Он нес с собой эти статуэтки и знаки царской власти. В Таде было найде­но семь статуэток, и среди них уди­вительная медная фигурка сидящего человека, приближающаяся по сти­листике к произведениям классиче­ского периода ифе, - вероятно, са­мая реалистическая статуэтка из всех, найденных до сих пор в Тропи­ческой Африке. Остальные скульп­туры, включая и те две, что были найдены в Джеббе, изображают вои­нов, лучников и персонажей, относи­тельно которых существуют самые различные толкования. Выполнены они в ином стиле, но совершенно очевидна их связь с характерными особенностями скульптур йоруба.

БЕНИН

Согласно легенде, искусство бронзо­вого литья было в XIII в. занесено из Ифе в город-государство Бенин. Здесь, как и в Ифе, оно служило ца­рям - оба. Искусство Бенина было придворным в полном смысле этого слова. Художники обслуживали только царский двор, мастера-литей­щики жили в специальном квартале города, а особые чиновники строго следили за сохранением секрета бронзового литья. Во время англий­ской карательной экспедиции 1897 г. город был уничтожен и многие про­изведения искусства погибли в огне. Но и то, что сохранилось, дает яркое представление о замечательном ис­кусстве Бенина. Однако как кажет­ся, культура ифе не имела влияния на культуру Бенина, где к 15-му сто­летию сложилась своя традиция обработки дерева, глины и слоновой кости. Скорее обе культуры развива­лись параллельно и прошли схожие этапы, пока не слились воедино в на­ше время, создав традицию абст­рактной скульптуры йоруба. Кроме многочисленных скульптурных про­изведений в виде голов царей и при­торных в высоких воротниках сохранились также бронзовые релье­фы, украшавшие некогда столбы и стены дворцовых галерей. Здесь можно встретить самые разнообраз­ные сюжеты и образы - придворных в церемониальных одеждах, воору­женных воинов, сцены охоты, изо­бражения португальцев в европей­ских костюмах. Кроме бронзовой скульптуры бенинские мастера соз­давали также произведения из сло­новой кости и дерева: маски-подвес­ки, жезлы, солонки и т. д.

Культуру Бенина принято делить на три больших периода: начальный с XIV по XVI в., средний, с XVI по XVII в., и поздний, с 18-го столетия до 1897 г., когда оба был смещен анг­личанами. Эти периоды вмещают историю политического развития и упадка целой империи. Идеализиро­ванные изображения оба и царицы-матери характерны для начального периода. Для следующего периода характерны бронзовые статуэтки воинов, животных, а также металли­ческие барельефные украшения цар­ского дворца. Третий период - упадка - отмечен тенденцией к декоративности и небрежностью в испол­нении.

В целом по сравнению с искусст­вом культуры ифе искусство Бенина отличается большей условностью и меньшим мастерством пластики. Очень высок и сам ремесленный уровень обработки металла, литья, резьбы и т. д. В какой-то мере искус­ство Бенина схематичностью объе­мов, условностью пропорций, обили­ем орнамента напоминает по своему типу памятники раннего Средневе­ковья Западной Европы, в то время как произведения мастеров ифе вы­зывают скорее ассоциации с памят­никами ранней античности.

Наряду с изготовлением изделий из бронзы во всех районах Тропиче­ской Африки процветала резьба по дереву. По-видимому, деревянная скульптура существовала в Тропиче­ской Африке издавна, хотя возраст самых древних дошедших до нас произведений не более 150 - 200 лет (во влажном тропическом климате дерево быстро разрушается).

Деревянная скульптура может быть разделена на две большие груп­пы: скульптуру и маски. Скульптура была большей частью культовой - это изображения различных духов, предков, иногда вождей. На домашних алтарях знатных и простых лю­дей устанавливали поминальные го­ловы предков, вырезанные из дерева. Сохранились также деревянные скульптуры, изображающие тотеми­стических предков - покровителей рода. Маски использовали во время обрядов посвящения юношей и де­вушек в члены общины, а также во время различных церемоний, празд­ников, маскарадов и т. д. У каждого африканского народа был свой ори­гинальный стиль скульптуры. Стре­мясь выделить главное, африканские мастера сильно преувеличивали раз­меры головы, в то время как осталь­ные части фигуры оставались непро­порционально маленькими. В масках нередко самым неожиданным обра­зом соединялись черты человека и животного. Во многих районах кон­тинентальной Африки искусство де­ревянной скульптуры существует и сейчас, хотя по своим художествен­ным достоинствам современная скульптура уступает работам, соз­данным в XVIII - XIX вв.

Искусство Африки внесло неоце­нимый вклад в историю мирового искусства. Отголоски культуры Черной Африки можно обнаружить в творчестве таких крупных художников XX в., как Матисс и П. Пикассо. Последнему удалось сочетать двух­мерную перспективу, принятую в западной живописи, с третьим измерением, представленным в формах африканской скульптуры. Именно это сочетание привело к кубизму.